Después del relativamente pacífico siglo XIX, la llegada del siglo XX estuvo marcada por numerosos movimientos políticos y sociales radicales de todo el mundo.
La Revolución Soviética en 1917, la Revolución Mexicana (1910-1920), la Gran Depresión en los Estados Unidos (1929-1939), la primera y segunda Guerra Mundial, la epidemia de gripe de 1918, la urbanización, el comienzo de la era nuclear y los avances en tecnología, arquitectura y ciencia influyeron en la cosmovisión norteamericana y europea y dieron forma al desarrollo del arte.
Los artistas ya no podían seguir los métodos tradicionales, que resultaron en el nacimiento de movimientos completamente nuevos como el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo y muchos otros lo que ahora llamamos arte moderno. Las figuras más notables, como Pablo Picasso, Salvador Dalí, Frida Kahlo, Jackson Pollock y Edward Hopper, y las obras de arte más significativas que el mundo haya conocido han definido este período.
Cuando explores las obras maestras, presta atención al papel del color. ¿Qué emociones sientes al ver colores específicos? ¿Crean la sensación correcta alrededor de la pintura? ¿Utilizó un artista colores cálidos o fríos, saturados o apagados, brillantes o neutros? Cada obra de arte puede servir como una fuente única de inspiración y conocimiento de los principios fundamentales del diseño.
En 1950, Jackson Pollock, también conocido como "Jack el Gotero", creó una de sus piezas más poderosas Autumn Rhythm utilizando una técnica novedosa que se conoció como "goteo de pintura". Fue el artista que inició el expresionismo abstracto, que marcó un punto de inflexión en la historia del arte estadounidense.
Con Autumn Rhythm, Pollock aplicó pintura a un vasto lienzo tirado en el suelo de maneras poco convencionales: vertió, goteó y salpicó el pigmento usando palos, cuchillos y otras herramientas de pintura inusuales. El resultado fue un equilibrio intenso y caótico de curvas de baile donde tu ojo puede atrapar figuras de humanos, animales u otras criaturas.
La paleta de colores es genuinamente otoño. Colores desaturados como el negro, el gris, el marrón y el amarillo pálido con salpicaduras de blanco crean una sensación de fundamento, oscuridad, depresión y ansiedad del mundo de la posguerra cuando nació la pintura (1950).
Puedes ver la imagen en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.
Georgia O'Keeffe es conocida como la madre del modernismo estadounidense. En 1926, creó una pintura de su flor favorita: el iris negro. En ese entonces, era una flor rara que solo se podía encontrar en ciertos floristas de Nueva York durante dos semanas en junio.
El trabajo se centra en el centro del iris negro envuelto en pliegues de pétalos que van desde el púrpura oscuro hasta el púrpura claro. Ambos colores están asociados con el misterio, la espiritualidad y la sofisticación. El granate oscuro revela matices de pasión, feminismo y sexualidad. Al mismo tiempo, el rosa y el blanco suaves aportan luz a la imagen y llevan una sensación de pureza. La pintura de esta flor simbólica revela algo personal sobre cada espectador que la mira en diferentes culturas.
Encuéntralo en el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Broadway Boogie-woogie es una de las pinturas más emblemáticas de Piet Mondrian. Lo creó en Nueva York en 1943, un año antes de su muerte.
Mondrian trabajó bajo la influencia del neoplasticismo, que más tarde encontró sus reflejos en los vestidos de Yves Saint Laurent. La cuadrícula de bloques rojos, amarillos, blancos y azules ilustra las luces de neón de Manhattan y el pulso de la ciudad que nunca duerme. La paleta de colores está llena de amarillo energizante y vibrante, que representa las cabinas amarillas de Nueva York. Pero al mismo tiempo, el amarillo primario altamente saturado crea sentimientos de inquietud y frustración.
Mondrian era un apasionado fanático del jazz, y logró transmitir el ritmo de Boogie-woogie a través de la pintura. Puedes disfrutar de la pintura original en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York.